Sorolla y Estado Unidos

En esta ocasión, os enseñare las maravillosas pinturas de Joaquín Sorolla de su exposición en la galería Mapfre, es impresionante ver su uso de la luz en cada una de sus obras y el magnifico estilo de pincelada que utiliza en sus cuadros, es una de las mejores exposiciones de pintura bajo mi punto de vista, me ha gustado mucho! 

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Joaquín Sorolla y Bastida nace en Valencia el 27 de febrero de 1863 en el seno de una familia humilde. Huérfano a los dos años, se cría con sus tíos. Habiendo mostrado desde niño una habilidad innata para el dibujo, en 1878 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de Valencia. Concluidos sus estudios, viaja a Madrid, donde se entusiasma con la obra de Velázquez.

Entre 1885 y 1889 reside en Italia como pensionado de Pintura por la Diputación de Valencia. Durante esos años comienza a presentar sus trabajos en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes y en 1885 viaja por primera vez a París, donde manifiesta gran interés por pintores naturalistas como Adolph von Menzel, Jules Bastien-Lepage o los pintores nórdicos.

En 1888 se casa con Clotilde García del Castillo, hija del fotógrafo Antonio García, que había acogido al joven pintor como ayudante. El matrimonio tendrá tres hijos: María, Joaquín y Elena.

Durante la década de 1890, Sorolla empieza a mostrar sus obras en las grandes exposiciones internacionales celebradas en París, Viena, Berlín, Múnich, Chicago y Venecia. En 1893, su pintura ¡¡Otra Margarita!! logra la medalla en la World's Columbian Exposition de Chicago. Dos años después, el Musée du Luxembourg adquiere su cuadro La vuelta de la pesca, galardonado con la primera medalla de oro en el Salón de París.

En la Exposición Universal de París de 1900, el pintor obtiene el Grand Prix con ¡Triste herencia!, lo que supone su definitivo reconocimiento internacional. Entabla una entrañable amistad con artistas como John Singer Sargent, Anders Zorn o William Merritt Chase. En los años siguientes continuará cosechando grandes éxitos en las exposiciones internacionales.

A través de una selección de más de 250 obras realizadas entre 1949 y 2011, esta exposición ofrece un exhaustivo recorrido retrospectivo por la obra de Richard Hamilton (Londres, 1922 - 2011), figura clave del Pop Art y uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX. En ella se muestra cómo este artista logró construir un incisivo y polifacético discurso iconográfico que, bajo su aspecto lúdico e irónico, planteaba una reflexión crítica, no exenta de un cierto componente de fascinación, sobre la sociedad de consumo y el imaginario mediático contemporáneo, al tiempo que exploraba y desbordaba los límites entre lo popular y lo culto, lo natural y lo artificial, lo figurativo y lo abstracto.

Exposición 27 junio - 13 octubre, 2014 Museo Reina Sofia 

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MI COMENTARIO PERSONAL

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Stephen Shore (Nueva York, 1947) es uno de los fotógrafos cuya influencia ha sido mas visible y destacada en las ultimas tres décadas. La renovación que han supuesto sus aportaciones al lenguaje fotográfico no ha dejado de despertar el interés en distintas generaciones de autores y sigue siendo una referencia indiscutible para los fotógrafos mas jóvenes.

Exposicion en Fundacion Mapfre 11/10/2014

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MI COMENTARIO PERSONAL

Es fácil ver en esta exposición como el artista nos quiere enseñar parte de la cotidianidad a través de momentos personales, cosas tan simples como objetos que tenemos en casa como monedas, porcelanas, o las medallas de guerra del abuelo. Vemos como utiliza los primeros planos para destacar lo que realmente quiere que veamos, pero siempre acompañado de una composición muy natural. Por otra parte vemos también el día a día en una nueva york de los años 60 llena de iconos, que comparándola con la actualidad sigue sin perder su esencia de caos y revolución, con calles llenas de multiculturalidad.
En su estudio  de las fotografías paisajistas, me he preguntado ¿Qué quiere que veamos, más allá de un paisaje árido? Y llegue a la conclusión de que efectivamente había que ver más allá; su trabajo con la luz, y el encuadre fotográfico que utiliza para destacar la belleza que trasmite el paisaje, además de la perfecta resolución que nos ofrece su revelado (cosa que me encanto, teniendo en cuenta la utilización de la fotografía analógica). 

En esta ocasión os enseño la obra de un artista llamado Jose Manuel Paredes, he encontrado su exposición dando un paseo por la galería del centro comercial Espacio Torrelodones, y el colorido de sus cuadros ha hecho que me parara a admirar el uso de el color en ellos.

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José Manuel Paredes es un pintor que ejerce de pintor. Él cree en una pintura que no deja margen para la duda. En su ideario estético permanecen inalterables los postulados artísticos de siempre. Los elementos constructivos de un arte que exige cierta sustancia técnica están presentes en una obra que plantea posiciones ajustadas a un riguroso análisis de la esencia pictórica.


Por un lado el artista dibuja una escena, da forma arquitectónica – su profesión de arquitecto le permite racionalizar los entramados sustentantes – y crea unos episodios donde la forma pictórica encuentra sustento en un desenlace colorista marcado por una distribución formal que acentúa el carácter distributivo de una feliz escena llena de buenos propósitos compositivos. Pero, además, la pintura de José Manuel Paredes relata acontecimientos, crea una serie de registros ilustrativos donde se suceden imágenes mediatas e inmediatas, donde la realidad pierde sus contornos imitativos para desentrañar nuevas e ilusorias posturas expresivas y, sobre todo, diluye las fronteras entre los absurdos argumentos equívocos de la figuración y la abstracción para ofrecer, una escena donde todo es posible porque así lo requiere un establecimiento artístico lleno de poder convincente.

José Manuel Paredes reconstruye la escena para dotarla de nueva identidad formal. Distribuye el sentido del paisaje, de los objetos, en definitiva, de la materia conformante y posibilita un nuevo espacio y un nuevo tempo estructural para que se reconduzca el hilo argumental del relato representativo hasta una posición donde sólo prevalezca su carácter expresivo.

La pintura de Paredes, además de su dinámica posición, más allá de ese esclarecedor sentido donde todo queda supeditado a un relato lineal de la composición, genera un universo colorista fundamentando, a su vez, por el desarrollo de una forma plástica que tiene a la estructura cromática como poderoso desarrollo ambiental. El color, mostrado de manera intensa, sin complejos y con las marcas inequívocas de una vehemencia en el tratamiento plástico que recuerda, sin duda, aquellas experiencias vanguardistas de salvajes – fauves se las llamó – manifestaciones. Y es que la pintura de José Manuel Paredes mantiene vivos los grandes postulados de la moderna pintura, aquellos que comenzaron con las descomposiciones cubistas y que este pintor hace suyas en la distancia para crear un nuevo estado formal, estructural y estético.